Aprende Arte ALEGO: Minimalismo y Pop Art

El minimalismo es una corriente artística que sólo utiliza elementos mínimos y básicos. Por extensión en el lenguaje cotidiano, se asocia el minimalismo a todo aquello que ha sido reducido a lo ensencial y que no presenta ningún elemento sobrante o accesorio.

Richard Wollheim, este filósofo fue quien acuño este concepto, en referencia a las obras del norteamericano Ad Reinhardt y el francés Marcel Duchamp.

El Minimalismo transformó en los sesenta la concepción de la relación de la obra de arte con el espacio presupuesta por la escultura de la vanguardia clásica. Se producen cambios en los espacios expositivos, en los que ahora predominan paredes blancas desnudas y grandes salas, dado el gran tamaño de los objetos minimal.

Éstos, o bien estaban realizados para un tipo de espacio determinado (esquina, pared), o para intervenir en la percepción del espacio en que se inscriben. Pueden determinar, además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad.

A veces el espacio de la exposición llama la atención sobre sí mismo, por su extrema neutralidad o por el contraste que establece con las obras; otras veces es fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia perceptiva por ella.

Podemos decir que toda obra de arte modifica más o menos la percepción del espacio circundante, pero que las minimal lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.

CARACTERISTICAS

Abstracción.
Concentración.
Des-materialización.
Economía de lenguaje y medios.
Geometría elemental rectilínea.
Orden.
Purisimo estructural y funcional.
Precisión en los acabados.
Reducción y síntesis.
Sencillez.

El Pop Art es otro movimiento artístico surgido en Reino Unido y EU a mediados del siglo XX. Surgió como reacción al Expresionismo Abstracto a partir, fundamentalmente, de u cambio de fuentes, las raíces surrealistas de aquel movimiento e sustituyeron por las dadaístas del Pop, dado el interés de sus precursores por las fronteras del arte y por Duchamp, el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías o museos.

También se considera a Yves Klein antecedente del Pop por su uso de la monotonía y la indiferenciación, que lo emparenta con Warhol, pero resultaron vitales para el nacimiento de esta corriente las anteriores experimentaciones con las posibilidades del collage, que los cubistasinventaron para explorar las diferencias entre realidad y representación.

Dadaístas y surrealistas ampliaron su potencial y en la posguerra se convirtió en el arte del assemblage, que permitía crear arte a partir de elementos preexistentes y diversos entre los que se establece relación. El MoMA dedicó en 1961 una exposición a “El arte del assemblage”, medio que sería punto de partida del environment y el happening.

El nacimiento del Pop Art tuvo, además, mucho que ver con la cultura inglesa y estadounidense de posguerra: dio sus primeros pasos en Reino Unido y creció a raíz de los debates planteados en el Independent Group en el ICA sobre la nueva cultura urbana norteamericana, en la que se cuestionaba la solemnidad romántica del arte británico de los cuarenta.

El movimiento urbano que constituye el arte pop, al contrario que el Expresionismo abstracto, pretende unir arte y vida mediante el enfriamiento de las emociones.

Tiene el propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo accesibles para todos y los representa. Con esto se destaca la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad del artista.

Por otro lado, la repetición es una característica que abunda en este movimiento ya que en los medios de comunicación se usa como método tanto como para crear iconos como para anestesiar a la sociedad sobre problemas graves. Por lo tanto, en este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte o la imagen.

EXPOSITORES